एक स्रोत: АrсhDаilу
यथार्थवाद और कला के खिलाफ एक विद्रोह: कैसे घनवाद ने आधुनिक वास्तुकला को प्रभावित किया
ऐतिहासिक कला आंदोलनों और उनकी दृश्य विशेषताओं ने आधुनिक समय की वास्तुकला का मार्ग प्रशस्त किया है। वर्षों से, आर्किटेक्ट अपनी स्वयं की स्थापत्य रचनाएँ बनाने के लिए तकनीकों और शैलीगत दृष्टिकोणों को उधार लेते रहे हैं, दोनों विषयों को एक साथ मिलाते हुए। क्यूबिज़्म, बीसवीं शताब्दी की सबसे प्रभावशाली शैलियों में से एक है, और इसके गैर-प्रतिनिधित्वीय कला दृष्टिकोण के साथ प्रयोग के लिए भारी आलोचना की गई, शायद सबसे महत्वपूर्ण वास्तुकला प्रेरणा है। जैसे ही कट्टरपंथी कला आंदोलन ने तत्कालीन मूल अवधारणा को खारिज कर दिया कि कला को प्रकृति की नकल करनी चाहिए, आर्किटेक्ट्स ने खुद को सूट और डिजाइनिंग संरचनाओं का पालन किया जो क्यूबिज्म की अवंत-गार्डिस्ट सुविधाओं को उधार लेते हैं, जो आज तक अभ्यास के प्रतिष्ठित स्थलों के रूप में खड़े हैं।
पहली बार 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में, क्यूबिज़्म को “वास्तविकता का प्रतिनिधित्व करने के लिए क्रांतिकारी नए दृष्टिकोण” के रूप में माना जाता था, जिसे पहली बार 1907 में प्रसिद्ध कलाकारों पाब्लो पिकासो और जॉर्जेस ब्रैक के चित्रों में देखा गया था, जो सैलून डी ऑटोमने में पॉल सेज़ेन के पूर्वव्यापी कार्य के बाद थे। उसी वर्ष। माना जाता है कि शैली की शब्दावली पहली बार फ्रांसीसी कला समीक्षक लुई वॉक्ससेल्स द्वारा स्थापित की गई थी, जिन्होंने जॉर्जेस ब्रैक की कुछ 1908 पेंटिंग्स को “सब कुछ ‘ज्यामितीय रूपरेखाओं को क्यूब्स में कम करने” के रूप में वर्णित किया था। आंदोलन को दो अलग-अलग चरणों में विकसित किया गया था: विश्लेषणात्मक घनवाद (1908-1912), और सिंथेटिक घनवाद (1912-1914), जहां पहली कलाकृति में मौन स्वरों में इंटरविविंग विमानों और रेखाओं को दिखाया गया था, और बाद में कोलाज जैसे कटआउट, आकार, और चमकीले रंग।
क्यूबिज़्म के दृष्टिकोण ने एक ही फ्रेम के भीतर वस्तुओं के विभिन्न विचारों को जोड़ दिया, जिसके परिणामस्वरूप कला के टुकड़े खंडित और अमूर्त दिखाई देते हैं। परिप्रेक्ष्य की गहराई का भ्रम पैदा करने के लिए पारंपरिक त्रि-आयामी और रैखिक परिप्रेक्ष्य तकनीकों का उपयोग करने के बजाय, क्यूबिस्ट कलाकारों ने एक ही समय में अलग-अलग दृष्टिकोण दिखाने के लिए दो-आयामी विमानों के साथ प्रयोग किया, जिसे विशेष रूप से उत्थान के बाद एक अवांट-गार्डिस्ट दृष्टिकोण माना जाता था। उस समय पुनर्जागरण कला का। इन चित्रों और मूर्तियों के विषयों को खंडित, सरलीकृत और अमूर्त रूपों में पुन: संयोजित किया गया था, और यूनिडायरेक्शनल और वर्दी ब्रशवर्क का उपयोग करके विषय को अधिक संदर्भ में प्रस्तुत करने के साधन के रूप में कई दृष्टिकोणों से चित्रित किया गया था।
आंदोलन की सफलता 1907 में पाब्लो पिकासो की विवादास्पद लेस डेमोइसेलेस डी’विग्नन पेंटिंग के साथ शुरू हुई, जहां मानव आकृतियों को विकृत किया गया और एक म्यूट पैलेट के साथ चित्रित किया गया, जो तब शैली की प्रमुख विशेषताएं बन गईं। कुछ ही समय बाद, ब्रैक ने 1908 में परिदृश्य चित्रों की एक श्रृंखला में इसी तरह की तकनीकों का इस्तेमाल किया, पेड़ों और पहाड़ों को छायांकित क्यूब्स और पिरामिड के रूप में प्रस्तुत किया, जो वास्तुशिल्प रूपों से मिलता जुलता था। पिकासो और ब्रैक ने 1909 में एक करीबी सहयोग का गठन किया, इतना अधिक कि उनकी उत्पत्ति ने किसी बिंदु पर प्रत्येक के काम को अलग करना मुश्किल बना दिया। हालाँकि दोनों कलाकारों ने अपने पूरे करियर में लगातार क्यूबिस्ट कलाकृतियाँ बनाईं, लेकिन “टू-मैन मूवमेंट” प्रथम विश्व युद्ध से आगे नहीं बढ़ा।
क्यूबिज़्म के शैलीगत दृष्टिकोण ने जिस तरह से आर्किटेक्ट्स ने निर्मित वातावरण को भी देखा, उसके परिणामस्वरूप फ्यूचरिज्म, दादावाद, अतियथार्थवाद, रचनावाद, आर्ट डेको और डी स्टिजल का निर्माण कला आंदोलन की प्रतिक्रिया के रूप में कुछ नाम रखने के लिए हुआ।
आंदोलन, जो उस समय अत्यधिक विवादास्पद था, 1910 के दशक में पूरे यूरोप में तेजी से फैल गया। आर्किटेक्ट्स ने क्यूबिस्ट कीवर्ड और विशेषताओं जैसे “पहने रूपों, स्थानिक अस्पष्टता, पारदर्शिता, बहुलता और अमूर्तता” को उधार लिया और उन्हें वास्तुकला में अनुवादित किया। त्रि-आयामी रूपों को तोड़ दिया गया, जोड़ दिया गया, और सरल ज्यामितीय आकृतियों का उपयोग करके आरोपित किया गया, और एक स्थानिक और दृश्य संबंध बनाए रखते हुए एक दूसरे को भेदने के लिए पारदर्शी बनाया गया। 1912 से आधुनिक वास्तुकला में यह शैलीगत दृष्टिकोण बहुत प्रमुख हो गया, जैसा कि रेमंड ड्यूचैम्प-विलन और आंद्रे मारे द्वारा ला मैसन क्यूबिस्ट में देखा गया, साथ ही साथ पीटर बेहरेंस और वाल्टर ग्रोपियस की परियोजनाएं भी।
क्यूबिस्ट-प्रेरित इमारतें अपने परिप्रेक्ष्य-बढ़ाने वाली तीक्ष्ण रेखाओं और घन, असंरेखित खिड़कियों के साथ अलग थीं, जो वास्तुकला की तरह दिखने के लिए एक विरोधाभास के रूप में कार्य करती थीं। इस क्रांतिकारी, “परंपरा-विरोधी” दृष्टिकोण ने आगे वास्तुकला क्षेत्र में अपनी प्रासंगिकता स्थापित की। फ़िलिपो टोमासो मारिनेटी के विचारों ने अवंत-गार्डे वास्तुकला को प्रभावित किया। डी स्टिजल आंदोलन ने नियो-प्लास्टिकवाद के दृश्य सिद्धांतों को नियोजित किया, जिसे पीट मोंड्रियन द्वारा विकसित किया गया था, जो पेरिस में क्यूबिस्ट के काम से प्रेरित था। 1918 में, ले कॉर्बूसियर क्यूबिज़्म की अपनी शैली बनाना चाहते थे, और इसे वास्तुकला में अनुवाद करना चाहते थे। 1918 और 1922 के बीच, वास्तुकार ने शुद्धतावादी सिद्धांत और चित्रकला पर ध्यान केंद्रित किया, और 1922 में, उन्होंने पेरिस में एक स्टूडियो खोला, जहां उनके सैद्धांतिक अध्ययन वास्तुशिल्प परियोजनाओं में आगे बढ़े। आर्किटेक्ट द्वारा सबसे प्रमुख क्यूबिस्ट परियोजनाओं में से कुछ असेंबली बिल्डिंग और नोट्रे डेम डु हौट, रोंचैम्प थे, जिसमें बाद में पाब्लो पिकासो के ‘ग्वेर्निका’ से विशिष्ट विवरण थे। क्यूबिज़्म ने डीकॉन्स्ट्रक्टिविस्ट आंदोलन की भी स्थापना की, जिसे द क्रिस्टल एट रॉयल ओंटारियो संग्रहालय, टोरंटो में डैनियल लिब्सकिंड द्वारा और फ्रैंक गेहरी द्वारा वॉल्ट डिज़नी कॉन्सर्ट हॉल में देखा गया।
प्रारंभ में, क्यूबिस्ट इमारतों को ईंटों से बनाया गया था, जिन्हें ज्यामितीय आकृतियों में काटना मुश्किल और महंगा था। कुछ साल बाद, कंक्रीट ने ईंटों को पसंद की मुख्य सामग्री के रूप में बदल दिया क्योंकि इसे किसी भी ज्यामितीय रूप में डाला जा सकता था, जिससे इसे उद्योग में बढ़त मिली। परियोजनाओं के अंदरूनी हिस्सों में, आर्किटेक्ट्स को संरचना के गतिशील आकार से चुनौती दी गई, जिससे फर्नीचर ढूंढना मुश्किल हो गया जो इमारतों की शैलीगत पहचान के साथ फिट हो सके। हालांकि, बाद में इसे क्यूबिस्ट फर्नीचर के निर्माण के साथ हल किया गया, एक शैली जो फ्रांस, जर्मनी, नीदरलैंड और चेकोस्लोवाकिया में बहुत लोकप्रिय थी।
दशकों बाद उत्तर आधुनिक युग में, क्यूबिज़्म का दृष्टिकोण मिनिमलिज़्म आर्किटेक्चर और डिज़ाइन में देखा गया, विशेष रूप से इसके ग्रिड के उपयोग के साथ। आज के समकालीन संदर्भ में, आंदोलन को ज्यादातर “प्रतिमान तोड़ने” के दृष्टिकोण के लिए संदर्भित किया जाता है और इसने पुनर्जागरण और ऐतिहासिक कला निर्माण की नींव को कैसे चुनौती दी।
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