Source: АrсhDаilу
Comment les couleurs influencent les récits et les espaces cinématographiques
Les couleurs évoquent des sentiments spécifiques ; par conséquent, ils sont utilisés pour susciter des effets particuliers sur la surface sur laquelle ils apparaissent ou dans l’esprit des observateurs qui les contemplent. En architecture, la couleur joue un rôle fondamental dans la définition de la forme. Les matériaux à l’état naturel possèdent déjà une coloration inhérente, qui est perçue de manière spécifique. Cependant, une fois teint, la perception de l’observateur est altérée, donnant lieu à des associations entre différentes sensations liées à un même objet. Cette transformation provoquée par la couleur se produit dans divers supports visuels, allant de contextes tridimensionnels comme l’architecture aux formes bidimensionnelles statiques et mobiles telles que les gravures, les photographies, les peintures et les films.
La couleur est inextricablement liée à la lumière : les objets semblent avoir de la couleur en raison de l’absorption et de la réflexion de certaines longueurs d’onde de la lumière. Les cellules coniques des yeux détectent ces longueurs d’onde et envoient des signaux au cerveau, qui traite les informations pour créer la sensation de couleur. Dans son essence, la couleur se manifeste à travers les différentes longueurs d’onde de lumière qui éclairent l’environnement, mais sa véritable essence réside dans les processus neuronaux complexes au sein des yeux et du cerveau, qui finissent par façonner (et modifier) la perception du monde. Cela signifie que les couleurs sont essentiellement abstraites et complètement subjectives. Les associations et correspondances de certaines tonalités avec certains sentiments peuvent varier selon la période historique et le contexte social. Un point commun dans l’expérience des couleurs est que l’œil humain – lorsqu’il fonctionne comme prévu – voit le monde en couleur.
Le cinéma est capable d’enregistrer la vie et le monde avec une certaine véracité. Ce n’était pas facile d’introduire des couleurs. Sans la technologie permettant de capturer des images colorées, les films étaient colorés manuellement jusqu’au développement du procédé Technicolor. Ce procédé enregistrait des images déjà colorées lors du tournage. Malgré la résistance des critiques et des réalisateurs, qui pensaient que des aspects importants du film – tels que le jeu des acteurs ou la narration – seraient perdus avec la « distraction » de la couleur, les films en couleur n’ont pas été répudiés. Après tout, le monde est coloré.
La dualité entre le noir et blanc et la couleur est explorée au cinéma, articulant des idées opposées. Le Magicien d’Oz (réalisateur Victor Fleming, photographie Harold Rosson, 1939) présente le monde réel comme indolent et monotone sans couleurs et, dès l’entrée de Dorothy dans Oz, les couleurs animent un monde plus dynamique. En revanche, dans Pleasantville (réalisateur Gary Ross, photographie John Lindley, 1998), le monde parfait, aplati et fantastique est tout en noir et blanc. Il se colore à mesure qu’il se rapproche d’une réalité contradictoire et conflictuelle. Dans ces deux cas, l’usage de la couleur se situe entre fantasme et réalité aux extrêmes opposés, ce qui pourrait renforcer la mutabilité de ce qui est associé à la couleur.
Les associations de tons chauds avec vigueur, drame et éloquence, et de tons froids avec placidité et délicatesse, sont présentes dans la sémantique de l’art depuis des siècles. Natalie Kalmus, responsable du département artistique chez Technicolor, a encore solidifié ces correspondances. Afin de garantir que la caméra et le film capturent avec précision les couleurs, elle a méticuleusement sélectionné les couleurs des décors et des costumes qui complètent le mieux les capacités d’enregistrement de l’équipement. Une partie de l’analyse des couleurs de Kalmus s’aligne sur le « bon sens » : par exemple, le bleu symbolise l’harmonie et le calme, tandis que le gris est lié à la tristesse et à l’incertitude. En revanche, certaines affirmations semblent inhabituelles à l’époque contemporaine, comme l’effet apaisant du jaune citron ou la notion de vert opaque représentant la paresse ou l’envie.
Le caractère subjectif (et changeant) des couleurs fait de leur utilisation un autre moyen de communication. Les couleurs sont associées à des positions politiques et utilisées comme signe pour ou contre un certain camp, comme les partis américains, les élections de la dernière décennie au Brésil et la guerre froide. Le bleu et le rouge ont été explorés dans le film Reddishblue Memories (2017) de l’artiste Iván Argote. L’émulsion utilisée dans les films Kodak et comment l’effacement de la photographie « dénonce » la position politique de l’entreprise.
Les décors et les costumes de Pedro Almodóvar ajoutent non seulement à ses personnages – et à leurs modes de vie – mais transmettent également l’ambiance émotionnelle de ses intrigues. Il est possible de faire une lecture historique du contexte espagnol avec la Movida Madrileña, mouvement culturel et artistique né avec la fin de la dictature de Franco, et le style CutreLux, mélange espagnol de kitsch et de punk. La palette lourde est devenue la signature du réalisateur. Cependant, il est intéressant de penser que, parallèlement à ses scénarios, les couleurs ont « mûri » depuis la jeunesse rebelle jusqu’aux adultes du XXIe siècle, sans pour autant nier le rôle formateur de Movida dans le personnage d’Almodóvar ni l’impulsion de ses personnages.
La palette de Wes Anderson est très colorée mais beaucoup moins pigmentée. Les tons pastel prédominent, contribuant à une lecture plus délicate et ludique de ses films. La combinaison de couleurs complète les particularités de ses personnages, leurs interactions et les situations présentées. Si les couleurs d’Anderson apportent des sensations positives, Sofia Coppola utilise les pastels de manière plus mélancolique dans ses films. Dans les deux cas, l’estompement des couleurs – comme la dichotomie noir et blanc et couleur – amène des idées opposées avec les mêmes ressources.
L’association des émotions et des couleurs est simple dans le film Hero (réalisateur Zhang Yimou, photographie Christopher Doyle, 2002), où les différentes versions de l’histoire sont colorées en fonction de l’intensité des sentiments des personnages. L’interprétation réitère la comparaison hégémonique – des rouges turbulents aux bleus et verts apaisants en passant par le blanc apaisé – et, d’une certaine manière, ils représentent le chemin de l’individu dans la pratique du bouddhisme zen, dont l’objectif est le détachement du banal. Bien que l’équipe ait déclaré que le choix des couleurs pour le film était purement esthétique, l’interprétation particulière dépend du spectateur, ainsi que de la perception des nuances utilisées.
La lecture subjective des couleurs permet une exploration créative dans différents domaines de la connaissance. Même s’il y a une certaine homogénéisation des images, notamment en intérieur, le monde environnant reste toujours coloré. Le sens, l’association et la correspondance chromatique restent suffisamment ouverts pour différentes combinaisons. Les écrans de cinéma le prouvent.
Cet article fait partie des Topics: Color in Architecture présentés par Sto.
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Produit par Sto, le court documentaire « Building in Colour » est une exploration cinématographique du rôle des matériaux et de la couleur dans l’architecture, en prenant comme point de départ le travail de l’architecte lauréat du prix Stirling Michael Wilford CBE (1938 – 2023).
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